Лучшие фильмы 20-х
ХХ век был веком не только двух мировых войн, но и веком кинематографа, его зарождения, развития и трансформации. Мы решили посвятить двадцатому столетию серию подборок, отобрав по двадцатке знаковых кинофильмов каждого десятилетия. И начнем, конечно же, с 1920-х, с эры немого кино и знаменитого немецкого экспрессионизма.
Если вам нравится то, что мы делаем, поддержите наш проект.
Доктор Джекилл и мистер Хайд (Dr. Jekyll And Mr. Hyde, 1920)
На самом деле версия 1931 года куда более известна широкой публике и отличается совершенно новаторскими и прогрессивными как на свое время спецэффектами, но именно эта экранизация знаменитой повести Стивенсона, то есть постановка 1920 года, вызвала в свое время много разговоров, споров и обсуждений. Перед премьерой картины многие критики, отметившие реалистичную мрачность атмосферы и убедительную отвратительность образа «мистера Хайда» (темного альтер эго главного героя), предостерегали детей и женщин (особенно беременных) от похода в кино. Тем не менее публика повалила на сеансы валом, и, как написал один тогдашний журнал, на первом показе в Нью-Йорке «разбила двери и два окна» кинотеатра, пытаясь увидеть скандальный фильм. Сейчас лента находится в общественном достоянии (к слову, двойную роль Джекилла и Хайда исполнил актер Джон Берримор, дедушка Дрю Берримор).
Кабинет доктора Калигари (Das Cabinet des Dr. Caligari, 1920)
Культовый немецкий хоррор, классика немого кино, положившая начало немецкому киноэкспрессионизму и оказавшая огромное влияние на дальнейшее развитие мирового кинематографа. Считается первым в истории фильмом, передающем на экране переменности человеческого сознания. Фильм-рефлексия о проигранной Германией Первой мировой войне. Фильм-метафора о сумасшествии власти, которое повергает безропотный подчиненный народ в ужасы и трагедии. Главный антагонист – загадочный доктор Калигари, который приезжает в город и устраивает на местной ярмарке представление, демонстрируя зевакам человека-сомнамбулу, находящегося в гипнотическом сне и послушно выполняющего все приказы. С приездом доктора в городе начинается череда убийств.
Малыш (The Kid, 1921)
Первая полнометражная режиссерская работа Чарли Чаплина, задавшая тон и тематику всем последующим фильмам величайшего комика немой эпохи. Душевная трагикомедия о младенце, которого бедная мать-одиночка решает подбросить в роскошный автомобиль в надежде, что семья богачей приютит подкидыша и даст ребенку лучшую, сытую жизнь. Однако авто угоняют бандиты, а малыша оставляют в трущобном квартале, посреди помойных баков, и в итоге дитя оказывается в руках доброго и чуткого Бродяги (канонический образ Чаплина). Можно долго спорить о том, чего больше в фильмах Чарли Чаплина, комедии или трагедии, но очевидно, что артист искренне проникался жизнью социального дна, критиковал классовую систему и всячески романтизировал и облагораживал образ рыцаря-оборванца, человека без средств и дома, но с большим сердцем. И именно с «Малыша» началось формирование и озвучивание этой позиции и авторской идеологии.
Носферату. Симфония ужаса (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922)
Наряду с Фрицем Лангом Фридрих Мурнау является крупнейшим мастером немецкого киноэкспрессионизма. И вампирский хоррор «Носферату» – одна из его величайших работ, изобретательно переиначивающая роман Брэма Стокера «Дракула». Действие фильма разворачивается в Трансильвании, в замке крысоподобного графа Орлока, и в вымышленном немецком городе Висборге, где граф приобретает недвижимость и сеет смерть. «Носферату» – первое в истории кино о вампирах, дошедшее до наших дней и задавшее стилистику всем последующим вампирским хоррорам, а жуткий и мерзкий образ, созданный актером Максом Шреком, стал каноническим. Именно в «Носферату» впервые возникла тема смерти вампира от солнечного света, чего не было у Стокера. Для создания мрачной мистической атмосферы Мурнау использовал негативные кадры, чего никто из режиссеров раньше не делал, и предпочел натурную съемку павильонной, что также было редкостью на то время. Примечательно, что после релиза вдова Брэма Стокера, защищающая авторские права мужа, добилась в суде уничтожения всех копий картины. Однако к моменту решения судьи фильм уже успел разойтись по всему миру.
Аэлита (1924)
Советский кинематограф 1920-х, несмотря на новоприбывший большевистский режим, тоже не стоял на месте. И в 1924 году вернувшийся из эмиграции режиссер Яков Протазанов представил смелую и эпатажную научную фантастику «Аэлита», вольную адаптацию одноименного романа Алексея Толстого. Советская критика, естественно, смелость Протазанова приняла холодно, если не сказать в штыки. Но ленту высоко оценили за рубежом. Собственно, «Аэлита» стала едва ли не первым полнометражным фильмом о полете в космос. Мировое киносообщество единодушно признало работу Протазанова классикой кинофантастики, важным этапом развития жанра и киноискусства в целом, одной из лучших научных фантастик (которую мы сейчас называем сай-фай) немой эры. А американский писатель-фантаст Фредерик Пол, публикующийся в 70-х, отметил, что достойная «Аэлиты» космическая фантастика в советском кино появилась лишь полвека спустя, с выходом «Соляриса» Тарковского.
Читайте также: Лучшие фильмы в истории по версии IMDb
Последний человек (Der Letzte Mann, 1924)
Еще одна знаковая работа Мурнау. Первый немой фильм, лишенный интертитров. Камерная психологическая драма о престарелом швейцаре, которого увольняют со службы, который сильно пьет и переживает глубокий личностный кризис. Из-за отсутствия интертитров эту картину часто называют эталоном немой эпохи, а операторская работа здесь преисполнена экспериментальных приемов и находок, как, например, впервые показанный на экране взгляд глазами пьяного человека с использованием пошатывающейся и сползающей вниз камеры.
Броненосец «Потемкин» (1925)
Казалось бы, пропагандистская картина, выполненная по госзаказу к юбилею революции 1905 года и посвященная мятежу на броненосце «Князь Потемкин-Таврический» против империализма. Но легендарный Сергей Эйзенштейн, которому на тот момент было всего 27 лет, превратил заказуху в искусство. «Броненосец «Потемкин» – одна из самых цитируемых кинолент в культуре и самая цитируемая немая кинолента. Взять хотя бы знаменитую сцену с катящейся по Потемкинской лестнице коляской с младенцем. Думали, Родригес первым сделал эффектное красное пятно в черно-белом фильме, стильно раскрасив «Город грехов»? Нет, конечно. И даже не Спилберг был первым, который окрасил в красный пальто маленькой девочки в монохромном «Списке Шиндлера». Первым был Эйзенштейн, который в «Броненосце «Потемкин» (на той копии, что предназначалась для громкой премьеры в Большом театре) вручную раскрасил флаг красной краской на более чем ста кадрах. В эпоху исключительно нецветного кино красный флаг, естественно, произвел на зрителей неизгладимое впечатление.
Призрак Оперы (The Phantom of the Opera, 1925)
Первая экранизация детективного хоррора французского романиста Гастона Леру о таинственном человеке в маске, терроризирующем парижскую Оперу, взрослая и жестокая вариация на тему красавицы и чудовища, куда более жесткая, чем музыкальная постановка с Джерардом Батлером. Актеру Лону Чейни удалось создать незабываемо жуткий и одновременно лирический образ «призрака», вынужденного из-за уродства жить в подземелье и жаждущего похоронить вместе с собой в катакомбах прекрасную деву, скрасившую его одиночество. Чейни самостоятельно придумал и наложил себе грим, причем никому так и не раскрыв его секретную формулу. Этот грим впоследствии пытались повторить многие профессиональные гримеры, но ничего не удалось. По слухам, Чейни для достижения цели подвергал себя сильной физической боли, то есть использовал очень болезненный грим, который в 1930-х годах после принятия профсоюзных законов оказался под запретом.
Метрополис (Metropolis, 1926)
Апофеоз немецкого киноэкспрессионизма. Эпичная и монументальная антиутопия Фрица Ланга, которая длится два с половиной часа (в эпоху, когда хронометраж большинства фильмов составляет час с лишним; хотя еще в 1916-м американский режиссер Дэвид Гриффит выпустил свою историко-библейскую эпопею «Нетерпимость», кинофугу, длящуюся три с половиной часа) и предвещает приход к власти национал-социалистов и создание Гитлером тоталитарной диктатуры. Действие разворачивается в мире будущего, в вымышленном городе Метрополис, разделенном на две части: верхний рай, где праздно живет власть имущая элита, и нижний ад, где беспробудно пашут рабочие, превратившиеся в придатки гигантских машин. По сюжету главный герой, сын правителя Метрополиса, случайно встречает и влюбляется в девушку из нижнего города Марию (отсылка к Марии Магдалине), ступает за ней и попадает в ад, где огромная машина, перемалывающая людей, представляется ему библейским Молохом, требующим в жертву детей снова и снова (эту же метафору по отношению к Гитлеру использовал гораздо позже Александр Сокуров, назвав свой фильм о фюрере «Молох»).
Восход солнца (Sunrise: A Song of Two Humans, 1927)
Первая англоязычная работа немца Мурнау, переехавшего по приглашению в Голливуд. И первая в истории лента, получившая «Оскар» как лучший фильм (на первой оскаровской церемонии, прошедшей в феврале 1929 года). Это мощная эмоциональная история любви, предательства и прощения, разворачивающаяся между тремя безымянными персонажами: Мужчиной, Женой и Женщиной из города (любовницей). Любовница подговаривает героя убить жену, и тот соглашается, но в последний момент передумывает, переосмысливает свои чувства и пытается вымолить у любимой женщины прощение. Исполнительница роли Жены Дженет Гейнор стала первой в истории актрисой-обладательницей оскаровской статуэтки.
Читайте также: Лучшие сериалы в истории по версии IMDb
Жилец (The Lodger: A Story of the London Fog, 1927)
Американский период творчества Альфреда Хичкока, пик которого пришелся на 40-50-е годы, более продуктивен и знаменателен, нежели британский. Но началось все, конечно же, в Англии, на родине маэстро саспенса, в немых 20-х годах. И особенно знаковым стал 1927 год, когда Хичкок выпустил на экраны картину «Жилец», историю обычной лондонской семьи, которая подозревает, что новый жилец, поселившийся в их доме, является разыскиваемым серийным убийцей, нападающим по ночам на юных красивых блондинок. Именно этот детективный триллер сформировал авторский почерк Хичкока: любовь к изощренным убийствам, эффектным блондинкам и нагнетанию страха и тревоги. Собственно, сам режиссер не раз говорил, что считает «Жильца» своей первой картиной, хотя фактически первой она не была, но была первым хичкоковским триллером, то есть первой пробой в жанре, в котором постановщик впоследствии утвердился и достиг наивысшего успеха.
Мать (1927)
Еще одним титаном советского немого кино наряду с Эйзенштейном был Всеволод Пудовкин. В 1927 году он выпустил на советские экраны драму «Мать», поставленную по одноименному роману Максима Горького. «Мать» знаменовала начало так называемой революционной трилогии Пудовкина, продолженной фильмами «Конец Санкт-Петербурга» (1927) и «Потомок Чингисхана» (1929), и получила мировое признание. Так, к примеру, голливудский актер Дуглас Фэрбенкс, звезда приключенческого немого хита «Знак Зорро» и основатель Американской киноакадемии, высказался по поводу «Матери» так: «После «Броненосца «Потемкин» я боялся смотреть советские картины, потому что думал, что «Потемкин» единичен, однако теперь я убедился, что СССР может ставить исключительные фильмы и что «Мать» в кинематографическом плане стоИт страшно высоко».
Звенигора (1928)
А тем временем на Одесской киностудии Александр Довженко (который позже переместится на Киевскую киностудию) снял притчу «Звенигора», которая тоже послужила началом дальнейшей трилогии, так называемой «украинской трилогии Довженко», включающей также фильмы «Арсенал» и «Земля» и объединенной образом Тимоша в исполнении Семена Свашенко. Именно картиной «Звенигора» Довженко впервые продемонстрировал свою самобытность и нетривиальное, несоветское видение. Жанрово фильм объединил исторический эпос с сатирой и сказочными мотивами. Состоящий из двенадцати фрагментов, объединенных рассказами безымянного Деда о закопанном в украинских степях неуловимом древнем кладе, он фокусируется на ключевых моментах украинской истории, от варяг до Петлюры. А поиски фантомного клада, должного принести нашедшему заветное счастье, символизируют поиски украинским народом своего места и многовековое стремление к заветной и столь же химерной, как клад, независимости.
Неизвестный (The Unknown, 1927)
Этот страстный и остросюжетный мелодраматический хоррор-триллер считается самой впечатляющей немой работой американского постановщика Тода Броунинга, одного из основоположников жанра ужасов (который позже снимет классического «Дракулу» с Белой Лугоши). Действие «Неизвестного» разворачивается в бродячем цирке, где складывается любовный треугольник между красавицей-дочерью хозяина цирка (ее играет кинодива Джоан Кроуфорд), добродушным силачом и безруким метателем ножей с темным прошлым, у которого в действительности есть руки (причем весьма своеобразные, на одной из них шесть пальцев), но об этом никто не знает. Девушка страдает фобией и всячески избегает прикосновения мужских рук, что дает метателю шанс завоевать ее сердце. Главное – чтобы она никогда не увидела его руки. Одержимый любовной страстью метатель ножей готов пойти на что угодно, даже отрубить себе руки по-настоящему, но страсть и жертвенность играют с ним злую шутку. Роль «безрукого» метателя исполнил Лон Чейни, звезда «Призрака Оперы», который вновь продемонстрировал исключительный талант перевоплощения. Кроуфорд была совершенно ошеломлена его игрой, а легендарный актер Берт Ланкастер позже утверждал, что игра Чейни в этом фильме «превосходила все, что ему доводилось когда-либо видеть».
Певец джаза (The Jazz Singer, 1927)
Этот, казалось бы, довольно простой музыкальный фильм в свое время произвел истинный фурор. Именно «Певец джаза» считается первой в истории звуковой кинолентой. И хотя озвучены в нем лишь некоторые, то есть далеко не все реплики персонажей (в основном озвучено пение главного героя, причем снято оно общими и средними планами, чтобы несовпадение артикуляции не бросалось в глаза), «Певец джаза» положил начало звуковой эре кинематографа и знаменовал собой закат немой эпохи. На первой церемонии вручения «Оскаров» фильм получил специальную награду «за создание первой звуковой картины, произведшей революцию в отрасли». К тому же он затрагивал актуальную расовую и ментальную проблематику, тему ретроградных устоев и общественных стереотипов. Так, главный герой, мечтающий исполнять джаз, вынужден был скрывать свое еврейское происхождение, скрываться от ортодоксальных родителей и всякий раз перед выступлением обмазывать себя гуталином, чтобы походить на афроамериканца, так как джаз был «музыкой черных».
Читайте также: Лучшие мини-сериалы в истории
Страсти Жанны д’Арк (La passion de Jeanne d’Arc, 1928)
А тем временем во французском немом кино появился шедевр датского режиссера Карла Теодора Дрейера – историко-психологическая драма о пытках инквизиционного суда над Орлеанской девой Жанной д’Арк, которые завершились ее публичным сожжением. Именно работа Дрейера до сих пор считается лучшей экранизацией жизни и смерти этой загадочной воительницы, которая слышала (или думала, что слышит) божественный глас (да-да, работа Дрейера и завораживающее исполнение актрисы Рене Фальконетти, а вовсе не экшн Люка Бессона с участием Миллы Йовович). Выполненный в документальной манере, фильм датчанина очень правдоподобно и убедительно воссоздает не столько саму историческую реальность (хотя декорации картины были самыми дорогими на то время декорациями во французском кино), сколько реальность существования этой полумифической фигуры, женщины-мученицы, сгоревшей за свою правду. Беспрецедентным (опять же на то время) был полный отказ режиссера от грима. Чистое, естественное лицо Фальконетти, взятое крупными планами, подчеркивало внутреннюю силу ее героини и всякое отсутствие фальши в ее вере. В то время как британцы запретили у себя показы «Страстей» (из-за садистского облика английских солдат), во всем остальном мире лента получила широкое признание. Так, к примеру, Сергей Эйзенштейн назвал фильм «одним из прекраснейших» в истории, а Луис Бунюэль – «определенно самым оригинальным и интересным фильмом нового кинематографа».
Крылья (Wings, 1927)
Еще одна лента наряду с «Восходом солнца» Мурнау, ставшая первой обладательницей «Оскара» как лучший фильм года. Да, тут может возникнуть путаница. Дело в том, что тогда статуэтка за лучший фильм вручалась в двух категориях: за выдающийся фильм и за уникальное художественное исполнение. Во второй номинации победила работа Мурнау, тогда как в первой лауреатом стала военная мелодрама «Крылья» режиссера Уильяма Уэллмана – история любовного треугольника между двумя товарищами-летчиками и одной девушкой на фоне Первой мировой войны. Впрочем, уникальность этой картины как на то время состояла вовсе не в романтической интриге (кого выберет героиня), а в съемках воздушных батальных сцен, не имеющих на те годы аналогов.
Седьмое небо (Seventh Heaven, 1927)
Еще один знаковый номинант первой оскаровской церемонии – основанная на популярном бродвейском спектакле драма «Седьмое небо» постановщика Фрэнка Борзейги, получившего первый в истории «Оскар» за лучшую режиссуру (что примечательно, творческий стиль Борзейги испытал сильное влияние Фридриха Мурнау). Главную женскую роль в фильме исполнила опять же Джанет Гейнор из «Восхода солнца», тоже удостоенная статуэтки, как мы уже писали (тогда «Оскар» лучшим актеру и актрисе вручался не за одну роль, а за все роли, сыгранные в году). «Седьмое небо» – ироничное название скромной комнатушки в мансарде высокого многоквартирного дома, где обитает главный герой картины, парижский чистильщик канализации по имени Чико. И в это «Седьмое небо» однажды волею случая попадает обездоленная девушка Диана, которая влюбляется в Чико и которой кажется, что здесь, в убогой маленькой комнатенке, находится рай. Но иллюзию рушит ад нагрянувшей Первой мировой войны.
Человек с киноаппаратом (1929)
Величайшая работа выдающегося советского документалиста Дзиги Вертова, обогатившего мировой кинематограф множеством новаторских операторских приемов и в числе прочего придумавшего «скрытую камеру». «Человек с киноаппаратом» – немой бессюжетный фильм-эксперимент, впоследствии не раз возглавлявший рейтинги лучших документалок всех времен и народов. «Вниманию зрителей: настоящий фильм представляет собой опыт кино-передачи видимых явлений. Без помощи надписей (Фильм без надписей), без помощи сценария (Фильм без сценария), без помощи театра (Фильм без декораций, актёров и т. д.). Эта экспериментальная работа направлена к созданию подлинно международного абсолютного языка кино на основе его полного отделения от языка театра и литературы» – говорилось в авторской аннотации к фильму. С помощью методики «кино-глаза» Вертов стремился воочию продемонстрировать безграничные возможности кинематографа, от того, что способна запечатлеть кинокамера, до чудес монтажа. Посредством съемки обычной будничной городской жизни (транспорта, людей, работы заводов и культурных явлений) Вертов представил эдакую энциклопедию возможностей кинооператора и киномонтажера (к слову, смонтировала отснятый материал жена режиссера).
Обломок империи (1929)
Считается, что этой игровой драмой советского режиссера Фридриха Эрмлера условно заканчивается киноэпоха 1920-х годов, полная образности, новаторства, изысканий киноязыка. Действие фильма разворачивается в провинции во время Гражданской войны, а дальше переносится в Петербург 1928 года, где уже вовсю строится новый коммунистический лад. Через призму главного героя, бывшего унтер-офицера, контуженного и потерявшего память и оттого неспособного толком вспомнить прежнюю жизнь и одновременно неспособного принять и понять новую, режиссер демонстрирует наступившие в стране необратимые перемены. И эти же необратимые перемены происходят в кинематографе, который вступает в звуковую эру и киноэпоху 30-х.
Анастасия Лях
Если вам нравится то, что мы делаем, поддержите наш проект
Читайте также:
100 лучших фильмов 2010-х годов
100 лучших фильмов 2000-х годов
Подписывайтесь на наши страницы в соцсетях:
- facebook — facebook.com/goodkino
- YouTube — youtube.com/c/kinowar
- Instagram — instagram.com/kinowar.com.ua
- twitter — twitter.com/kinowar_com
- Telegram — t.me/kinowarcom
